Historia de la decoración nórdica

Historia de la decoración nórdica

Este artículo fue escrito originariamente por Katrín Eyþórsdóttir, es una traducción de su contenido. Como diseñadora con experiencia en diseño de productos, Katrín presenta su entendimiento de lo que ha influido en las obras de diseñadores de Suecia, Noruega y otros condados de Europa Septentrional, como los atributos clave que tienen estas obras.
A lo largo de bastante tiempo, el arte ha sido con fuerza influido por el paisaje social y político. Buscando mediante la historia, hallamos que al paso que las creencias sociales de un cierto periodo ya no pueden ser relevantes, el arte y el diseño de ese tiempo con frecuencia lo son. Los diseñadores de en la actualidad continuamente se inspiran en la historia, de forma consciente y/o de manera inconsciente.

Conocer dicha historia y saber lo que ha sucedido ya antes en el ámbito o bien campo al que se dedica puede asistirle a trasmitir mejor el significado de su trabajo y forjar conexiones más profundas con su ambiente (artístico, social, político, etcétera).

Para charlar de la historia de la decoración norteña o nórdica, debemos asistir al siglo veinte y los estilos y movimientos que rigieron el planeta del arte en ese instante, vamos a buscar influencias y también ideas que se han transformado en lo que se ha conocido desde mediados del siglo veinte como “diseño escandinavo”. Este artículo asimismo ofrece ciertas reflexiones sobre de qué manera añadir sus principios en su trabajo de el día de hoy.
Al paso que los países de Escandinavo tienen diferencias extremas, tienen ciertos hilos comunes culturales, geofísicos y también históricos. Sin implicar que algunos principios se aplican a todo arte y diseño en este campo, este artículo ofrece una visión general de las influencias y el estado del arte y el diseño en los países norteños.

Contexto histórico del estilo nórdico

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El modernismo, un movimiento cultural que empezó a fines del siglo XIX, fue una rotura con el realismo que ya antes dominaba el planeta del arte. La fuente del realismo fue la invención de la fotografía y el deseo del artista de generar un trabajo que parecía “real”. Era, por ende, bastante conservador, y el arte creado en ese movimiento tenía la pretensión de ser veraz y preciso. El modernismo fue un escape de esta rigidez, y un sinnúmero de movimientos culturales y estéticos medró de ella.
Poco tras mil ochocientos ochenta, William Morris y el Movimiento de Artes y Oficios, inspirados en las teorías sociales de John Ruskin, empezaron a expresar su inquina por los diseños hechos a máquina por la Revolución Industrial. Denunciaron los productos uniformes y monótonos que la máquina representaba y revitalizaron los métodos tradicionales de fabricación; En las artes textiles, por poner un ejemplo. Defendiendo y alabando la naturaleza en el arte, la inventiva humana y la lealtad a los materiales tradicionales, apoyaron el romanticismo y la tradición popular en todo género de artesanía.
El Art Nouveau, asimismo conocido como “Jugendstil”, fue el primer movimiento de arte extensamente popular del siglo veinte. Se concibió como un “nuevo estilo para un nuevo siglo”. Con un enfoque en las artes ornamentales y aplicadas, el movimiento fue una resistencia consciente a las instituciones de diseño y también arte gobernantes de la temporada.
Datada más o menos entre mil ochocientos ochenta y mil novecientos diez, el Art Nouveau marcó el inicio del Modernismo y tomó la naturaleza como su inspiración. El empleo de elementos ornamentales en el campo familiar podría considerarse aun como metáforas del estado del individuo en la sociedad, y hacían evidente que la gente estaba expectante de romper con formas y establecer reglas. Un comentario social más obvio comenzaba a surgir en el arte.
Las formas fluidas se emplearon en todo género de trabajo, así sea arquitectura, muebles, textiles, pintura o bien impresión. El estilo fue extensamente festejado como una rotura del pasado, incorporando materiales nuevos y exóticos de países extranjeros, y con el llamado “japonismo” que se popularizó en los círculos occidentales.
En Dinamarca, la gaceta Skønvirke empezó a publicarse en mil novecientos catorce. Su contenido se inspiró en las viejas artesanías danesas y el romanticismo nacional, con influencias internacionales apareciendo en las decoraciones. La palabra “Skønvirke” se transformó en homónimo de Art Nouveau y Jugend. Las frágiles formas inspiradas en la naturaleza, líneas y colores muy elegantes se amoldan a la estética escandinava.
Estos fueron tiempos muy volátiles en Europa, en parte debido a la Primera Guerra Mundial y el creciente malestar con el orden social. En el arte, todo se hizo revolucionario en vez de evolutivo, una reacción a la agitación de la guerra. Se estimaba que las formas y los arreglos sociales precedentes obstruían el progreso civil y el artista se transformó en un activista social y político. El propósito era la provocación, el trastorno y una rotura con los viejos sistemas. Muchos movimientos artísticos brotaron de estos extensos cambios sociales.

Estilo Escandinavo

diseños-humanisticosEl estilo Escandinavo aquí significa los países del norte de Europa: Dinamarca, Suecia, Noruega. El diseño de allá es descrito por muchos como siendo bastante minimalista, con líneas simples limpias. Enormemente funcional, el estilo es eficiente sin precisar elementos pesados; Solo se usa lo que se precisa. La supervivencia en el norte requirió que los productos fuesen funcionales, y esta era la base de todo el diseño desde el comienzo.
Las sutiles cualidades ornamentales que se derivan de los movimientos artísticos del siglo veinte y las líneas simples derivadas de los movimientos de arte entre guerras dieron a este estilo su elegancia. El término de “cosas bellas que hacen que tu vida mejor” fue apreciadísimo. El diseño escandinavo se refiere de forma frecuente como diseño democrático, debido a su objetivo de captar las masas por medio de productos que son alcanzables y accesibles.
Esta ideología procede de instituciones locales, como la Sociedad Sueca de Diseño Industrial, de larga tradición. El propósito de esta asociación era fomentar el diseño que el público normalmente pudiese acceder y gozar. Semejantes metas fueron perjudicadas considerablemente por los cambios sociales que ocurren en Europa en ese entonces. Pese a que los diseños eran democráticos y destinados a las masas, no fueron desposeídos de toda belleza para hacerlos tan simples de emplear como sea posible; Un pensamiento inspirador. La relevancia de este equilibrio fue identificada por los escandinavos desde el comienzo y se ha mantenido desde ese momento.
Múltiples exposiciones de diseño escandinavo se festejaron en toda Europa y América del Norte. Una de las primeras fue la Exposición de Estocolmo en mil novecientos treinta, donde el funcionalismo floreció y artistas y compañías mostraron sus últimos productos. Y coincidiendo con una visita oficial de la pareja real danesa en mil novecientos sesenta, la Exposición de las Artes de Dinamarca se festejó en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York.
El término “diseño escandinavo” se produce en un espectáculo de diseño que viajó a USA y Canadá bajo ese nombre de mil novecientos cincuenta y cuatro a mil novecientos cincuenta y siete. Fomentando el “modo de vida escandinavo”, exhibió múltiples obras de diseñadores norteños y estableció el significado del término que prosigue Hasta hoy: diseños preciosos, fáciles y limpios, inspirados en la naturaleza y en el tiempo del norte, alcanzables y alcanzables para todos, con énfasis en el disfrute del entorno familiar.
Exposiciones como estas desempeñaron un papel esencial en propagar la palabra sobre el diseño escandinavo y en influir en el desarrollo del modernismo en América del Norte y Europa de muchas formas. La estética había estado evolucionando a lo largo de décadas por ese tiempo y estaba con fuerza influida por el arte y el diseño en Europa. Combinaba las tendencias que habían surgido alrededor del cambio de siglo, las formas limpias que prosiguieron, como las tradiciones existentes en Escandinavo.

La conciencia social en los movimientos artísticos

el-arte-diseño-nordicoDesde mil novecientos dieciséis de ahora en adelante, más conjuntos políticos y sociales del arte llegaron a ser sobresalientes en el planeta del arte europeo. Los establecimientos centenarios, academias y gremios tenían una larga historia de ser dirigidos por el burgués gobernante. Estaban de manera profunda interesados en sostener el orden social, y el arte que crearon y comisionaron lo reflejó. Aferrándose a viejos métodos en la pintura y miedoso de la agitación representada por los nuevos movimientos, el establecimiento favoreció el trabajo que no interrumpió el estado de cosas. Los nuevos movimientos vieron su trabajo como atascado y como retener el progreso de las artes. Estos nuevos movimientos festejaron la máquina y abrazaron las tecnologías de fabricación en la creación del arte. Entre estos estaban los constructivistas en Rusia, los futuristas en Italia, De Stijl en los Países Bajos, Bauhaus en Alemania y los dadaístas en Suiza.
El movimiento constructivista veía el arte como una parte de la estructura social y lo usaba como herramienta para comunicar mensajes políticos y sociales. Ciertos artistas más conocidos del movimiento fueron Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, El Lissitzky, Malevich, Wassily iluminacion-nordicaKandinsky (que después enseñó en Bauhaus) y los hermanos Stenberg, Georgii y Vladimir, nombres todavía conocidos entre los diseñadores gráficos de el día de hoy. Participando con fuerza en acontecimientos públicos y parcialmente apoyados por los partidos gobernantes, festejaron nuevas tecnologías y arte de máquina.
De Stijl era un movimiento de arte holandés en el que Piet Mondrian y Gerrit Rietveld estaban entre los miembros primordiales. De Stijl resaltó la abstracción pura y la reducción de todo a lo esencial de forma y color. Todo fue simplificado a líneas verticales y horizontales y colores primarios. En contraste a muchos movimientos contemporáneos, De Stijl era un proyecto colectivo, no un movimiento político o bien social.
Bauhaus era una escuela en Alemania que era conocida para conjuntar artes finas, artes y tecnología; Industrial y el diseño del producto fueron apreciadísimos. El “Año de Fundación” de muchas de las escuelas de arte y diseño de hoy día tiene sus orígenes acá. Es asimismo donde el campo del diseño moderno del moblaje empezó a tomar forma.
Muy influyentes, hasta el día de hoy, los 3 directivos de la escuela, Walter Gropius, Hannes Meyer y Ludwig Mies van der Rohe, propagaron sus ideas cuando salieron de Alemania ya antes y a lo largo de la Segunda Guerra Mundial. Acabando en múltiples países, y muchas de las personas que enseñaron y estudiaron en la Bauhaus dejaron atrás un cuerpo de conocimientos que muchos de los diseñadores actuales se refieren a su trabajo, de forma frecuente sin saberlo.

El funcionalismo que abrazaba la Bauhaus era predominante en la arquitectura escandinava. Los países norteños adoptaron muchos estilos para sus edificios y brotaron con sus, mas “funkis” (el término para el funcionalismo allá) se transformó en uno de los estilos más populares.

El dadaísmo fue un movimiento cultural de corta duración que empezó en Suiza poco tras la Primera Guerra Mundial. Mas los métodos y creencias dadaístas fueron adoptados por muchos y prosiguen vivos. Enfocados en caricaturizar la carencia de sentido del planeta moderno, su trabajo englobó la literatura, las artes visuales y el teatro.
dadaismo-historia-escandinavoCon el dadaísmo, el arte abstracto empezó a localizar su fundamento, como el arte de la actuación y lo que después evolucionó en el arte pop. Como los cubistas, los dadaístas utilizaron collage, ensamblaje y productos existentes para crear nuevas piezas. Contra la guerra, contra la burguesía y similar a un movimiento ácrata, los dadaístas eran activos en el mundo entero, efectuando manifestaciones públicas y publicando diarios. El dadaísmo se mezcló gradualmente con el surrealismo y otros movimientos culturales y artísticos.

En Italia, Futurismo era un movimiento artístico y social activo que empleó todos y cada uno de los medios, de película a el alimento, para lograr sus mensajes a través. El futurismo era una ideología que no deseaba nada que ver con el pasado; Sus defensores se opusieron a lo que consideraban un pensamiento rancio por la parte de sus contemporáneos. No teniendo un estilo diferente, adoptaron las técnicas del cubismo, que fue el movimiento de arte vanguardista encabezado por Pablo Picasso, entre otros muchos.
El cubismo cambió radicalmente los enfoques de la pintura y la estatua europeas, y sus efectos prosiguen siendo evidentes hoy día.
El surrealismo medró en popularidad en torno a mil novecientos veinte, y si bien muchos diseñadores y artistas escandinavos fueron con fuerza influidos por el movimiento y lo incorporaron a sus creaciones, el surrealismo no fue recibido con los brazos abiertos. Wilhelm Bjerke-Petersen, Rita Kernn-Larsen y Olav Stromme se metieron en el surrealismo en un instante o bien otro.
El creador, Ausra Larbey, explica de qué forma las visiones sociales en los países norteños afectaron la popularidad y la aceptación de los movimientos artísticos:

Irónicamente, su perspectiva revolucionaria halló escasa entendimiento en el entorno de los trabajadores. Uno veía al surrealismo como la expresión del individualismo burgués, tratando únicamente con inconvenientes intelectuales de clase superior. Fue percibida como una forma de arte inmoral y ególatra, auto-absorbida y decadente. El rechazo fue tan fuerte que los artistas se distanciaron del surrealismo abstracto cara un estilo figurativo más naturalista, y después en entrevistas negaron que fuesen siempre y en toda circunstancia surrealistas.
Muchos de los artistas de estos diferentes movimientos se conocieron y trabajaron juntos, creando exposiciones y publicando gacetas. Muchos de estos movimientos eran enormemente políticos y abogaban por el cambio social a través del arte. Esto influyó en el planeta del arte escandinavo y asistió a dar forma a los cambios sociales que ocurrían allá.

El estilo nórdico en nuestros días

El diseño escandinavo ha evolucionado con los tiempos, pasando de la mayor parte de muebles y diseño de productos a una aplicación de principios y procesos a inconvenientes y ocasiones actuales. Su cambio ha sido tan trágico como la sociedad de la que forma parte.
Como se mentó, los países escandinavos establecieron instituciones desde el comienzo para fomentar y resguardar las industrias del diseño. Svensk Form en Suecia prueba las ventajas de un buen diseño para el desarrollo social. El Danish Design Centre resalta el valor del diseño para los negocios con sede en Dinamarca. El Iceland Design Centre organiza conferencias y exposiciones y facilita la cooperación entre diseñadores y artistas locales. El Norwegian Design Council fomenta el diseño como una herramienta estratégica para la innovación. Y los países norteños son el hogar de ciertas conferencias más interesantes en el arte y el diseño, como Iceweb (la conferencia web de Islandia), Semana de la Moda de Copenhague y la Feria del Mueble de Estocolmo.

La tienda francesa Scandinavia design vende diseños norteños viejos y nuevos, centrándose en materiales de calidad y una cierta simplicidad y amor a la vida rutinaria. Ayuda a mantener la popularidad del diseño escandinavo.
La estética escandinava, de diseño producido en masa, alcanzable y alcanzable a todos, con un toque de gracia, recuerda al usuario que el autor del producto es humano.

En el planeta digital, donde la interfaz para tantos diseños es el teclado, el ratón y la pantalla, el autor en ocasiones se olvida. El factor humano es degradado a favor de la conveniencia y la funcionalidad.
En un artículo sobre la excelencia utilitaria del diseño escandinavo, Lara Iziercich explica lo que hace que el estilo escandinavo sea tan diferente.
La comercialización escandinava implica poco más que la promoción de diseños que se desarrollan conforme y convenientes a las necesidades del consumidor. No tienen la pretensión de “vender” nuevos conceptos de diseño a los usuarios. Los diseñadores escandinavos se complacen de solo crear productos y recursos funcionales, perdurables y rentables. Si la gente precisa algo, lo adquirirán. Si no [la necesitan], no existe en el mercado para iniciar.

Los principios de diseño escandinavo – de priorizar la funcionalidad sin quitar la gracia y la belleza – podría ser un enfoque buenísimo para el diseño web de el día de hoy. Evidentemente, cuando el diseño web brotó como una profesión, se centró primordialmente en la funcionalidad de todas y cada una formas, con ciertos de ellos mejor ejecutado que otros. No fue hasta el momento en que los navegadores web gráficos empezaron a dominar que los gráficos empezaron a ser con fuerza incorporados en el diseño web. Qué tan bien la funcionalidad escandinava se traduce a la Web es controvertible, y la sobregeneralización no es justo. Al paso que la mayor parte de los diseñadores se esmeran por sostener su trabajo funcional, ciertos han tenido más éxito que otros.

El sitio de la transmisora de radio online Cue Radio fue creado por Moving Parts, una compañía noruega de diseño.

De forma constante y veloz, los diseñadores web se han transformado en maestros de muchos oficios que ya antes eran dominios de las profesiones reservadas. Lo bonito es que, si bien los diseñadores web han asumido cada vez más y más papeles, estas profesiones más viejas no han desaparecido. Ellos evolucionaron al lado de Internet. En la actualidad, el diseño web engloba muchos campos, todos trabajando cara el propósito de crear productos funcionales.

La navegación en el sitio de la productora islandesa Icelandic Cowboys Entertainment es clara y simple de comprender (advertencia, sin embargo: sonidos de reproducción automática). El sitio fue creado por la agencia de publicidad islandesa Skapalón.

El diseño escandinavo tiene ciertas reglas, y los estándares Web son discutidos y acordados en el mundo entero. Naturalmente, ciertos proyectos personales, sitios de nicho y otros diseños Web no se centran solamente en la funcionalidad, sino existen para enseñar un producto o bien técnica. Todos estos son tanto parte de la profesión de diseño web como todo lo demás que hemos visto. Los debates intensos y los intercambios de creencias con una mayor frecuencia conducen a un mayor refinamiento y entendimiento de esta profesión joven. Y los practicantes del campo procuran inspiración en todas y cada una partes, empujando continuamente las fronteras estéticas, tecnológicas y funcionales de las computadoras y también Internet.

Mientras que el diseño natural, brillante y ordenado es popular en el contenido en línea hoy en día, diciendo que todo el diseño web limpio, simple y funcional de hoy tiene sus raíces en el diseño escandinavo sería una exageración.

La página principal del Museo Nacional de Islandia está en Islandés e Inglés. Está claramente establecido y sus mecanismos de búsqueda de caminos estarían familiarizados con los usuarios de sitios web similares. El diseño es fresco y moderno, incorporando imágenes que evocan la historia de las exposiciones del museo.

Con la tecnología cambiando rápidamente y cada vez más compleja, es tan importante como siempre conocer sus herramientas y sus posibilidades. Las empresas dependen de tener una presencia en línea que está bien pensado y que da al visitante una buena experiencia. La interacción con los productos y servicios se ha convertido en un punto focal tanto de las experiencias de los usuarios offline como en línea.

Cuando cada día trae nuevas maneras de redefinir el diseño, los principios establecidos desde hace mucho tiempo del diseño escandinavo – usabilidad y simplicidad, conservando un elemento de humanidad y de gracia y belleza – podrían ser claves para lograr un resultado exitoso.

 

Estilo escandinavo

Los estilos y movimientos que se generan en Europa a principios del siglo veinte se extienden por todo el planeta. Aunque no adoptaron exactamente el mismo mensaje, todos contribuyeron al establecimiento de nuevas formas y funciones.
El alcance del modernismo era extenso y se desarrollaba de forma diferente en todos y cada país. La ideología se extendió por toda Escandinavia, con diseñadores y artistas interaccionando con sus contemporáneos en toda Europa, ayudados por medios de veloz desarrollo como el cine. En la zona Escandinavia, las ideas evolucionaron gradualmente en principios de diseño y filosofías que ocasionalmente tuvieron efectos internacionales

Fotografía aérea del distrito residencial de Söndra Ängby en Estocolmo, Suecia, mil novecientos treinta y ocho. Todas y cada una de las casas son exactamente las mismas, construidas conforme principios funcionalistas, y el día de hoy son un patrimonio cultural nacional.
Los diseñadores escandinavos estaban influidos por todo cuanto sucedía a su alrededor. Con su tradición de artesanía y empleo eficaz de recursos materiales limitados (debido a su relativo aislamiento geográfico), combinaron lo mejor de los dos mundos. On-line con las creencias sociales democráticas dominantes, todo se hizo para estar libre para todos. La noción de gozar el trabajo que haces fue valoradísima, y se sostuvo viva la idea de que las cosas hermosas podían enriquecer la vida de las personas.
Como se mentó, la Sociedad Sueca de Diseño Industrial se estableció en mil ochocientos cuarenta y cinco para sostener y elevar los altos estándares en múltiples profesiones relacionadas con la artesanía. El hecho de que la industrialización tuvo lugar en Escandinavia después que en los países vecinos asistió a conservar la tradición artesanal allá.
A inicios del siglo veinte, con cada vez más y más personas que se trasladaban del campo a las urbes, la Sociedad amplió su alcance y se comprometió a elevar los estándares de diseño en la vida rutinaria. La busca de objetos de alta calidad estética a predisposición de las masas empezó de verdad a lo largo de los años veinte y treinta. La belleza, el humanismo y los ideales democráticos estaban a la orden del día.

La producción de máquinas de masas no dominó tanto en los años entre las 2 guerras mundiales como en los U.S.A.. La escala de la industria era considerablemente más pequeña, y tras la Segunda Guerra Mundial, más países escandinavos establecieron instituciones y escuelas para conservar las tradiciones artesanales. Los procesos derivados de la artesanía se integraron en la producción comercial, creando lo que se conoció como las artes industriales.
El hilo conductor del diseño escandinavo es el funcionalismo. A lo largo de cientos y cientos de años, la necesidad de productos para trabajar fue arraigada en el ánima escandinava. No había pasado bastante tiempo puesto que esto era un requisito para la supervivencia. El foco estaba en “necesidad”, o bien función, no en la decoración o bien la belleza.
Pasando a la era de la máquina, la supervivencia se hizo más simple, y el funcionalismo evolucionó hasta satisfacer asimismo las necesidades sensibles de las personas. Esto dio al funcionalismo norteño un lado más natural y humanista. Mas todavía existían enfoques más extremos al funcionalismo, que desposeía toda decoración a favor de la función pura.

Los largos inviernos y las pocas horas de sol inspiraron a los diseñadores escandinavos a crear entornos refulgentes, ligeros y prácticos. Procuraron hacer el entorno familiar lo más cómodo posible con los materiales a mano. Estas tendencias fueron recogidas por los países vecinos y ocasionalmente se extendieron por todo el planeta. Los diseños de alta calidad viven en la actualidad y se recrean de manera continua en múltiples campos, lo que confirma su atemporalidad.

La escalera y los muebles en Aarhus Radhus (municipio de Aarhus) fueron diseñados por Arne Jacobsen y sus asociados entre mil novecientos treinta y siete y mil novecientos cuarenta y dos.
Los diseños intemporales de Arne Jacobsen en muebles y arquitectura son muy conocidos, y sus contribuciones a los campos creativos están seguras en la historia. Tras ganar múltiples concursos de arquitectura, Jacobsen se hizo conocido por los diseños que trajeron visiones futuristas en un contexto actual. Sus fáciles mas efectivos diseños de silla disfrutaron de éxito en el mundo entero.
Los diseños de las lámparas propias de Poul Henningsen estaban bien pensados. Procuraba soluciones para diseminar la luz de una lámpara lo más extensamente posible sin que el brillo fuera perceptible. Es buen ejemplo del diseño escandinavo: la belleza de las muy elegantes líneas suaves no impide que la lámpara desempeñe su función precisamente como se diseñó para hacer.
El diseño de la cubierta del libro para la gramática sueca moderna, Immanuel Björkhage, mil novecientos sesenta y seis. Publicado en Estocolmo por Kungl. Boktryckeriet P. A. Norstedt y Söner. Una edición de mil novecientos veintitres está libre on-line por medio de la página.
El estilo escandinavo no es solo muebles de madera doblados por la manera en múltiples tonos de patrones blancos y inspirados en la naturaleza y formas. Las salpicaduras de color han sido gran parte de los interiores norteños a lo largo de bastante tiempo. El artista y diseñador sueco de finales del siglo XIX Carl Larsson es conocido por sus pinturas refulgentes y coloridas. Sus acuarelas de muebles pintados y arte popular han sido muy influyentes en Escandinavia.
Uno de los diseñadores más conocidos de Dinamarca, Verner Panton, es conocido por su trabajo audaz y abstracto en los años sesenta, con un enfoque en nuevos materiales. Las creaciones de Panton se distinguieron de las de sus contemporáneos, y su enfoque estaba más en lo que el día de hoy asociamos con el Pop Art. Fuertes, trágicos colores y formas futuristas dominaron su trabajo. Sus diseños, así como los del diseñador finés Eero Aarnio y el finés-estadounidense Eero Saarinen, se han usado en una serie de producciones cinematográficas y también incontables sesiones de fotografías para crear una apariencia futurista.

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